Interpret: One Eskimo
Albumtitel: All balloons
Veröffentlichung: 2010
Label: Columbia D (Sony BMG)
Internetseite: One Eskimo
Twitter: werdet Verfolger

Die Besonderheit des Albums liegt darin, dass sie in einer Standard CD-Version erschienen ist und gleichzeitig als musikalische Untermalung für ein kleines Cartoon-Musical in Zusammenarbeit mit Warner Brothers fungiert. Die Lieder werden dabei in einer differierenden Reihenfolge eingesetzt und ergeben somit einen völlig neuen Kontext. Der Hörer wird mitgenommen in sphärische Musikgebilde, abenteuerliche Träume und instrumentalisierte Liebeserklärungen.
Insgesamt kommt die Platte sehr abwechslungsreich daher. Sie verknüpft atmosphärische Musik, mit Soul und butterweichem Pop und wirkt dabei stets innovativ. Trotz der sehr unterschiedlichen Songstrukturen, bildet dieses Album ein harmonisches Gesamtbild.

One EskimO – Kandi

One EskimO – Hometime

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Interpret: Them Crooked Vultures
Album: Them Crooked Vultures
Veröffentlichung: 2009
Label: RCA Records Lab
Wunschkind: Andreas
Blog und Twitter: cimddwc @cimddwc

Seit ungefähr vier Monaten lese ich einschlägige Musikmagazine und habe gelernt, dass eine Kollaboration von Musikern sehr erfolgreicher Hauptbands in einem Semi-Projekt „Supergroup“ genannt wird. Dieser Ausdruck würde meinem Verständnis nach auch eine gewisse Genialität erfordern, die nicht unmittelbar durch seine Mitglieder manifestiert werden kann. Spiderman heißt ja auch nicht Spiderman nur weil er von einer genetisch-mutierten Spinne gebissen wurde, sondern weil er Spitzenkräfte in sich vereint.

Diese Band vereint also nun Dave Grohl (Foo Fighters), Josh Homme (Queens of the Stone Age) und John Paul Jones (Led Zeppelin). Dave Grohl hätte gar keiner “Supergroup” beitreten brauchen, denn er hat ja in der Mutter aller “Supergroups” – der “Supergroup” aller “Supergroups” mitgemischt: Nirvana. (Ich bin mir nicht sicher, ob ich das Wort “Supergroup” nun oft genug genannt habe, um mein neugewonnenes Fachwissen auch selbstgerecht darzustellen? Ich sag es einfach noch einmal: “Supergroup”!)

Diese Besetzung lässt nicht allzu viel Spielraum für Überraschungen, da sie bereits durch die Vita und Wurzeln der einzelnen Bandmitglieder logischerweise nur im Hardrock-Bereich angesiedelt sein können.
Die ersten Töne bestätigen diese Einschätzung.

Abgesehen vom vielen Gitarrenschrammeln und dem Stakkato-Schlagzeug finden sich viele kleine Details und Spielereien auf dem Album, die erstaunen, amüsieren und doch irgendwie überraschen. Da ertönt am Ende des zweiten Songs “Mind Eraser, no chaser” doch tatsächlich Volksmusikgedudel oder singt der Sänger im Titel “Scumbag Blues” im Falsett, was widerrum einen guten Kontrast zum ansonsten eher wilden Arrangement des Songs bildet.

Damit bin ich allerdings schon am Ende der positiven Resonanz angekommen. Eine negative wird es nicht geben, da ich das Album stilistisch und handwerklich für dieses Musikgenre als absolut gelungen halte. Aber wie bereits bei Julias Vorschlag, kann ich mich selbst mit dieser Musik nicht anfreunden. Zu laut, zu durcheinander, zu wenig melodisch. Aber das ist mein subjektiver Eindruck. Für all diejenigen, die auf guten harten Rock, Nirvana und dunkle, rauhe Stimmen stehen, ist diese Album allemal eine Empfehlung wert.

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Die Wiener Band My Glorious hat am 05.02.2010 ihr Debutalbum “Home is where the heart breaks” veröffentlich. Der Titel des Albums lässt die Tiefe der Platte erkennen, kündigt diese Zeile doch eine stark philosophische und nachdenkliche Ausprägungen an. Diese Tiefe und Anrührigkeit transportiert auch das Albumcover konsequent. Ohne Kryptik.

Interpreten: My Glorious
Album: Home is where the heart breaks
Veröffentlichung: 2010
Label: G-Records (Intergroove)
Internetseite: My Glorious.com
Twitter: werdet Verfolger

Das Trio aus Wien schafft es auf diesem Album so ziemlich jede Emotion aus seinem Zuhörer zu kitzeln, jede Melodiefarbe unterzubringen. Mal traurig, mal sanft, mal rauh und mal elektrisierend. Die Stimme des Sängers Samuel Fischer trägt sich mit Leichtigkeit und einer guten Portion Melancholie durch die Platte. Die Liebe und die Anatomie des Herzens werden auf diesem vielleicht oder vielleicht auch nicht gewollten Konzeptalbum mal leidend, mal lebensbejahend analysiert und durch Worte in die Welt posaunt. Die Melodien sind dabei so herzergreifen, dass die Platte und ihre Lieder im Gehörgang immer wiederhallen und vibrieren.

Der zweite und gleichzeitig stärkste Song des Albums “You should be dancing” muss sich den Vergleich mit Mando Diaos “Dance with somebody” gefallen lassen. Hier kommen die drei Jungs mit Bravour und ohne falsche Scham an die Rockgrößen aus Schweden heran. Überhaupt muss sich die Band nicht verstecken.
Bodenständiger Rock (”Blind Believer 2-01″), feine Melodien (”Horse”) und der Hang zum Großartigen (”Timetraveller”) bescheren den Jungs sicher eine große, beständige Fangemeinde.
Auffällig ist auch die Detailverliebtheit. Vom Cover über den Albumtitel bis zum Herzschlag am Ende von “Timetraveller” – nicht zu vergessen das “Big Spender” Sample im Opener.

Für mich ein rundum sehr gelungenes Debut mit Ohrwumcharakter und der aufkeimenden Lust auf Wesentlich mehr.

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Eigentlich wollte ich schon lange einen Beitrag über diese phantastische Band aus Island schreiben, die mit ihren Melodien, dem klagenden Gesang und der ruhigen Atmosphäre ihrer Arrangements Gelassenheit und Entspannung in meinen Alltag zaubern.

Angefangen hatte alles mit diesem kleinen Video und der darin verwendeten Musik. Ich fand schnell heraus, dass es sich um Sigur Rós handelte und lud mir ein Album von ihnen auf meinen Rechner. Mein erster Eindruck war etwas konstaniert, fehlte mir doch der mitreißende Aufbau. Sperrig und unzugänglich präsentierten sich die Lieder und das Kauderwelsch des Sängers. Aber die Musik ließ mich nicht los und entzückte mich nicht nur aufgrund ihrer Besonderheit. Mittlerweile bekomme ich gar nicht genug von dieser Musik, die scheint als käme sie von einer anderen Welt. Jedes Lied ist eine Untermalung der eigenen Seele. Tiefgründig, sanft, leidend, klagend, berauschend, wunderbar.

Sigur Rós – Hljómalind

Sigur Rós – Vid spilum endalaust

Sigur Rós – Viorar Vel Til Loftarasa

Foto im Original von Zruda (flickr)

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Los geht es mit Julias Vorschlag – The Mighty Stef “100 Midnights”.

Interpret: The Mighty Stef
Album: 100 Midnights
Veröffentlichung: 2009
Label: RMG Digital
Wunschkind: Julia
Blog und Twitter: 49suns @49suns

Julias Vorschlag produzierte erst einmal ein großes Fragezeichen über meinem Kopf. Der erste Durchgang war durchwachsen und unentschlossen.  Der Sänger weckt stimmlich bei mir eine spontane Assoziation zu Nick Cave. Diese etwas weinerliche Intonation, diese Tiefe in der Stimme und diese Reibeisen geschwängerten Stimmbänder.
Der Opener “Downtown” kommt ruhig und folkig daher und lädt zum wippen der Kniegelenke ein, der zweite Streich beginnt mit dem zarten Gesang einer Dame, der schnell von punkigen Einlagen und der bereits beschriebenen Stimme des Sängers in seiner Jungfräulichkeit zerschnitten wird. Ich wäre nicht so vermessen zu behaupten es handele sich bei diesem Werk um ein wahres Punkalbum, dafür fehlt mir oft die Aggressivität, für ein reines Pub-Album widerrum sind Songwriting und Talent zu aufgebläht. Trotzdem kann ich mir nicht vorstellen, wie diese Band auf einer großen Bühne in einer Großen Halle funktionieren soll, da sie wie gemacht für die heimelige Kleinhalle am Stadtrand ist, die ihren Fans am liebsten auf dem Schoß sitzt oder zumindest mit Gitarre oder Mundharmonika bewaffnet durch die Reihen schreiten würde.
Nach mittlerweile mehrmaligem Hören muss ich sagen, dass ich mir dieses Album gern anhöre, es aber nicht bewusst tun würde. Dafür ist es zu weit von meinem eigenen Geschmack entfernt, trotzdem attestiere ich diesem Werk eine gewisse Genialität. Es kann den Hörer auch ohne Fan-Ambitionen begeistern und ggf. sogar an sich binden.
Dabei wird die irische Abstammung gut und authentisch transportiert. Sogar ein Akkoredeon findet Platz in der Reihe zwischen Drums, Gitarren und Mundharmoniker. Es finden sich ebenso chorale Stimmgewalten in “100 Midnights” oder “I swear I have no feeling for that girl” wieder und erinnern entfernt an die guten alten Erzählbarden vergangener Zeiten und beweisen, dass Lieder mit “Lalala” oder auch “Schalala” im richtigen Kontext ein ganzes Lied tragen und veredeln können.
Insgesamt haben The Mighty Stef hier ein grandioses Album gezaubert, dass viele Zuhörer finden wird.

Anspieltipp: The Might Stef – Downtown

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Die Alben können von mir natürlich nur besprochen und angehört werden, wenn sie entweder bei Napster erhältlich sind (was ich umgehend prüfen werde) oder ansonsten alternativ bei Grooveshark, myspace oder ähnlichen Angeboten (bei denen ich mich nicht zusätzlich anmelden muss) abrufbar sind. Falls ihr von der Streaming-Möglichkeit bereits Kenntnis habt, könnt ihr sie direkt beim Kommentar mit angeben.

Ich würde mich freuen, wenn wieder einige von Euch mitmachen, da ich beim letzten Mal drei wirklich tolle Alben entdeckt habe (Phillip Poisel, Element of crime und 1990s).

Also los geht’s.

Bild im Original von Mickey aka DaSkinnyBlackMan (flickr)

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The Weakerthans – Left and Leaving (geworfen von alsicheinhamsterwar)

Last.fm huldigt der Band in ihrer Band-Beschreibung mit folgenden einleitenden Worten:

“The Weakerthans sind eine Indie Rock-Band aus Winnipeg, Kanada, die für ihre melodischen, auch textlich anspruchsvollen Post Punk-Songs mit Folk-Einflüssen bekannt ist.”

Das impliziert ja nun mehr oder weniger die eierlegende Wollmilchsau eines Musikgenres. Nun denn, los geht’s.

Direkt wird klar, es handelt sich bei den Songs von Left & Leaving sicher um sehr hörbare, eingängige Musik, der aber der letzte Pfiff und damit die Individualität fehlt. Die Songs lassen – selbstredend meiner Meinung nach – an dem oben genannten melodischen Anspruch fehlen. Ich folge bei meinem Musikgeschmack keinem Raster oder einem roten Faden. Die Musik muss gefallen. Ich kann auch nie sagen, ich mag elektronische Musik nicht, denn dies würde schlichtweg nicht stimmen. Wenn es die richtigten Tonabfolgen aufweist, kann meine Begeisterung durchaus ein kreatives Eigenleben entwickeln. Das entsteht bei diesem Album allerdings nicht. Ich höre es mir gern an, ich kann es auch im Auto, auf der Couch, im Bett, während des Arbeitens anhören. Ja! Aber ich würde es mir nicht bewusst auf mein iPhone laden.

Trotzdem wartet das Album mit Sanftmütigkeit und Melancholie auf.  Jeder der jemandem hinterher trauert oder einen Soundtrack fürs Vergessen benötigt ist hier gut aufgehoben.

St. Vincent – Actor (geworfen von beetfreeq)

Dieses Album wollte ich mir schon seit ewigen Zeiten anhören, hatte aber immer Anderes zu tun. Nun bin ich froh, dass es in Form zwangloser Empfehlung den Weg zu mir gefunden hat. Schaut man sich die etwas schüchtern, aber zuversichtlich dreinblickende Dame des Covers von “Actor” an, würde man nun soliden Püppchen-Pop erwarten. Die ersten Takte von “The Strangers” belehren den Hörer eines Besseren. Hier geht es nicht um Püppchen-Pop, sondern um ambivalentes Melodienverhalten zu gesungenen Worten. Während die Musik zum Wippen und Mitsingen animiert, singt St. Vincent von Blumen die sie um sich wirft und davon, dass schware Löcher schwärzer werden müssen.
Auch ansonsten ist Ms. Clark textlich ein wenig wunderlich unterwegs und man ist geneigt zu fragen, welche Psychosen sie beim Schreiben wohl antrieben. Wem “The Strangers” allerdings nicht düster genug ist, spult einfach weiter bis “Black Rainbow”. Spontan fällt mir folgende Textzeile ein: “Paint the black hole blacker like a Black Rainbow”. In “Black Rainbow” findet orchestrale Instrumentalisierung statt, während sich der Takt stakkato-artig durch das Lied hechelt. Düstere Materie wird hier auf einen markanten Punkt zugespitzt. Bevor es im nächsten Lied “Laughing with a mouth of blood” musikalisch trügerisch beschwingt weitergeht. Nahezu so beschwingt, wie es bei dem Titel möglich ist.

Insgesamt ist das Album experimentell und gewagt, textlich über weite Strecken ein bisschen zu düster und exzentrisch. Für meinen Geschmack ist dies auf Dauer zu anstrengend.

So, ich schicke dieses Stöckchen nun an den lieben Sascha von endgültig weiter und bitte ihn sich dochmal das Album von Mumford & Sons “Sigh no more” vorzunehmen. Viel Spaß dabei.

Foto im Original von janesdead (flickr)

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Fan-sein ist nicht einfach nur die Tatsache, die Musik eines bestimmten Künstlers oder einer bestimmten Band gut zu finden. Fan-sein ist die emotionale Verknüpfung an eine unbekannte Person, die einem allein durch ihr musikalisches Schaffen die Welt ein bisschen bunter zeichnet, die Worte ein bisschen besser klingen lässt und Noten im Gedächtnis zu einer Melodie formt und sie für eine sehr, sehr lange Zeit nicht mehr verschwinden lässt. Einen Künstler über Jahre zu begleiten birgt das Risiko in sich, dass er irgendwann nicht mehr den hohen Erwartungen entspricht und damit nicht mehr an die grandiosen und harmonischen, alten Zeiten aufschließen kann.
Robbie Williams Problem liegt dabei explizit darin, dass er bereits bei seinem ersten Album „Life thru a lens“ den Zenit seines Genies erreicht und beim fünften Album „Escapology“ überschritten hat.

Erster Akt – 1995
es wirken mit: zwei Freundinnen, Take That und ein Kassettenrekorder

Ich war nie ein begeisterter Hörer der Musik von Take That und vertrieb mir eher aus Langeweile die Zeit meines letzten Schuljahres mit einer anerzogenen Depression über den Ausstieg Robbie Williams bei der britischen Boygroup Take That. Meine beste Freundin Silke und ich bauten uns – aus Jux – einen Robbie-Schrein und nahmen dämliche Kassetteninterviews auf, in denen verschiedene durchdrehende Mädchen (abwechselnd von uns dargestellt) von ihren schlimmen Empfindungen berichteten. Wir heulten uns aufgesetzt durch die dramatischen Ausschreitungen einiger unserer Mitschülerinnen und begriffen den ganzen Hype nicht. Take That machte allerdings noch einige Monate weiter und wenige Wochen später verschwendeten wir keine Gedanken mehr an einen gewissen Robbie Williams, der ja irgendwie nur durch sein komisches Aussehen, die beschissene Frisur und den Einzelgesang in „Could it be magic“ bei TT aufgefallen ist.

Zweiter Akt – 1996
es wirken mit: eine schlechte Coverversion und eine ungesunde Portion Naivität

Ich kann heute nicht mehr genau sagen, wo ich Robbie Williams verhunzte Coverversion von George Michaels „Freedom“ gesehen habe. Ich weiß nur, es muss als Musikvideo gewesen sein (also wohl VIVA oder MTV), weil ich mich noch erinnere, wie eklig ich Robbie Williams aufgrund seiner Aufgedunsenheit fand. Damals dachte ich noch: Ach Gott, jetzt macht er sich auch noch als Solo-Künstler auf die Socken. Das kann doch nur nach hinten los gehen. Ja, solch negative Gedanken hatte ich damals über meinen kommenden Rock-Gott. Naiv, naiv.

Dritter Akt – 1997
es wirken mit: drei Freundinnen, Norddeich und Album Nummer 1: Life thru a lens

1996 fuhr ich mit einer Schulfreundin und ihrer Schwester in die Ferienwohnung ihrer Eltern nach Norddeich. Es sollte ein regnerischer Trip werden, den wir „6 nimmt“-spielend in den vier Wänden verbringen sollten, weil es draußen tagelang ununterbrochen in Strömen regnete. Wir drei waren bereits ein Jahr zuvor gemeinsam in London unterwegs gewesen, was zum einen den Spruch „Lonestar said, I’ll be back“ in unser „Slang-Repertoire“ spülte und zum anderen den peinlichsten Urlaubssong aller Zeiten: Worlds Apart – Je te donne.
Auf der Heimreise – die wir drei Tage früher als geplant antraten, da der Regen nicht nur Aktivitäten außerhalb der vier Wände verhinderte, sondern auch die Stimmung der beiden Schwestern in den Keller sinken ließ – hörten wir auf N-Joy Radio Robbie Williams zweite Single „Old before I die“ und erinnere mich noch an die anerkennenden Worte aus unseren Mündern: „Gar nicht schlecht“.
Einige Wochen später saßen wir in Meikes Keller (die Schwester) und hörten das gerade erstandene Album „Life thru a lens“ und ich erinnere mich noch, wie Meike sich über die exzentrischen Posen von Robbie Williams im Bootleg aufregte und ihn arrogant nannte. Ich selbst war eher damit beschäftigt, mich an den Texten und Melodien von „Lazy Days“, „Angels“ und „Let me entertain you“ nicht satt zu hören.
Plötzlich erkannte ich, dass dieser als Spaßvogel und von Drogen korrumpierte Freak ein sehr guter Sänger war. Anerkennung war geboren, Leidenschaft sollte allerdings erst noch folgen.

Vierter Akt – 1998
es wirken mit: schräger Gesang, meine Eltern und Album Nummer 2: „I’ve been expecting you“

Nur ein Jahr später folgte „I’ve been expecting you“. Ich erinnere mich, wie ich nervös dem Veröffentlichungsdatum entgegen fieberte, was ich bis dahin nur bei „Die Ärzte“ und „Oasis“ durchgemacht hatte und direkt in die Stadt fuhr, um mir die Platte im einschlägigen Musikfachgeschäft meines Vertrauens zu kaufen. Mit feuchten Händen öffnete ich das Bootleg und verbrachte den Rest des Abends damit, die Lieder immer und immer wieder zu hören und dabei die Texte auswendig zu lernen. Meine Eltern mussten zu dieser Zeit einiges durchmachen und hätten – ich gebe es zu – für den schrägen Gesang der monoton aus meinen Zimmer schallte, Schmerzensgeld verlangen sollen. Während Robbie Williams nämlich nur mir über die Kopfhörer zuteil wurde, durften meine Eltern sich mit dem schrägen und vor allem lauten Mitgesang meinerseits zufrieden geben. Ich kann nicht behaupten, dass dies bei meinen Eltern zu stolzen Freudensprüngen geführt hat. Nein – wirklich nicht.
Meine Mutter ängstigte sich zeitweise etwas, weil sie immer und immer wieder die – wie ich finde – legendäre Textzeile „I hope you choke on your bacardi and coke“ grölte, die meine Mutter vermutlich bereits über eine Einweisung nachdenken ließ.
Zu diesen Zeiten, eine der besten mit Robbie, ärgerte ich mich immer wieder, dass ich nicht in der Lage gewesen war ein wenig mehr Geduld im Erlernen der Gitarre aufgebracht zu haben, als mein Papa sich anschickte mich zu unterrichten. Was wäre das für ein Fest gewesen: ich, die Gitarre und „Heaven from here“.
Robbie Williams hatte definitiv einen Platz in meinem Herzen gefunden.

Fünfter Akt – 2000
es wirken mit: Oasis, eine mittelschwere Depression und Album Nummer 3: Sing when you’re winning

Damals befand ich mich in einem Alter zwischen Jugend und Erwachsen werden und sein und war schon froh, dass ich zu dem Bildungsniveau zählte, dass wusste, dass „Houston“ im Liedtext von Rock DJ eine Anspielung auf die Mondmission Appollo 13 war.
Ansonsten befand ich mich gerade in der depressiven Erkenntnis, dass „Oasis“ mittlerweile ihrerseits den musikalischen Zenit überschritten und den Glanz ihrer beiden legendären Alben „Definitely Maybe“ und „What’s the story morning glory“ heftig mit der Veröffentlichung von „Standing of the shoulder of giants“ angekratzt hatten. Dies war die Zeit des Bruchs zwischen mir und den Gallagher-Brüdern, die ihre Trennung 10 Jahre früher hätten durchziehen sollen und damit eine phantastische Karriere ohne Bodenlöcher hingelegt hätten.
Genau zu dieser Zeit veröffentlichte Robbie Williams also sein drittes Album „Sing when you’re winning“ und riss mich mit seinen tanzlastigen Gute-Laune-Liedern und dem zwar kommerziellen, aber lohnenden Duett mit Kylie Minouge aus meiner Lethargie. Robbie und ich schienen eine neue Synergie zu bilden, die meinem musikalischen Lebensweg wieder neues Leben einhauchte, nachdem ich meine Punkphase endgültig hinter mich gebracht hatte und von Oasis nichts mehr erwartete. „Love calling earth“ zerriss mir damals öfters das Herz, kam ich doch auch mit meinem Gefühlen zu diesen Zeiten nur schlecht zurecht und fühlte mich oft fehl am Platze in meinem eigenen Leben. Mein erstes Robbie Williams Konzert in Köln habe ich leider verpasst, da es wirklich unmöglich war an Karten zu kommen und mein karges Ausbildungsgeld nicht für die Preise des Schwarzmarktes ausgereicht hätten. So musste ich dies noch ein wenig verschieben. Rückblickend betrachtet war es wahrscheinlich eine schicksalhafte Entwicklung, dass 2003 MEIN persönliches Robbie-Jahr wurde, dass mich zwar drei Jahre später zu einer horrenden und später bereuten Anschaffung zwang, trotzdem aber auch heute noch zu meinen allerliebsten Erinnerungen zählt. Dazu aber später mehr.

Sechster Akt – 2001
es wirken mit: Nicole Kidman, Gleichgültigkeit und Album Nummer 4: Swing when yor’re winning

Robbie haute – „Sing when you’re winning“ noch nicht ganz verdaut – sein nächstes Album raus, dass ähnlich wie „Rudebox“ sicher eine Herzensangelegenheit und ein Abstecher aus seinem mittlerweile anhaftenden Image sein sollte. Hinsichtlich des Wortspiels zwischen Album Nummer 3 und 4 frage ich mich noch heute, ob Titel Nummer 3 bereits in weiser Voraussicht auf das Swing-Album gewählt wurde oder ob es ein dankenswerter Zufall war.
Sein Duett mit Nicole Kidman, deren Gesangstalent 2001 nicht zuletzt und völlig zurecht dank dem Musical-Film „Moulin Rouge“ zu Tage kam, war ein Überraschungshit. Ich konnte mit diesem Album nicht allzu viel anfangen, verübelte ihm dieses experimentelle Abenteuer allerdings auch nicht wie vielleicht so manch anderer Fan. Ich brach allerdings mit meiner Tradition alle Robbie Williams Alben im Schrank stehen zu haben.

Siebter Akt – 2002
es wirken mit: das Konzert meines Lebens in der Arena auf Schalke, der Abschied von Guy Chambers und Album Nummer 5: Escapology

Und wieder verging nur ein Jahr bis Robbie Williams mit „Escapology“ wieder auf allen Musiksendern und in allen Printmagazinen präsent war. Dieses Mal wurde es wesentlich rockiger und rotziger als bisher und es sollte leider auch die letzte Zusammenarbeit mit Guy Chambers werden.
Es war nach diesen mittlerweile fünf Jahren des Fan-Seins klar, dass nun das Konzert die logische Weiterentwicklung in der Beziehung zwischen mir und Mister Williams war und so kam es, dass ich in einer blutigen Schlacht um Mitteldeutschland im Kartenverkauf des Kaufhofs in Bonn, die letzten vier Karten für das Konzert auf Schalke ergatterte. Inklusive bösen Blicken meiner Mitstreiterin und folglich Unterlegenen.
Ich kann diesen Tag nicht mit mehr beschreiben, als mit: DAS Konzert. Gut, über Kelly Osbourne im Vorprogramm lässt sich streiten, aber das war alles gleichgültig, es war alles unerheblich. Robbie Williams, eine wahnsinnige Atmosphäre, ein tolles Programm, bei dem nicht nur meine Gänsehaut eine große Rolle spielte, sondern auch die ein oder andere glückselige Träne. Mann, was für ein Abend. Von diesen Erinnerungen zehre ich noch heute, obwohl die ernüchternde Erkenntnis, dass auch die besten Entertainer-Qualitäten durch den Konsum von Alkohol und Drogen verwischen können, Jahre später noch ein schweres Fan-Trauma auslösen sollten.
Ab diesem Zeitpunkt war Robbie Williams für mich das, was für frühere Generationen die Beatles gewesen sein mussten.

Achter Akt – 2005
es wirken mit: die Realität, 100 Euro für den Arsch und Album Nummer 6: Intensive Care

Ich überspringe bewusst das Live-Album der Escapology-Tour und auch das Best-of-Album, obwohl ich der Meinung bin, dass Robbie dieses Album zum absolut perfekten Zeitpunkt veröffentlicht hat. Für ihn bedeutete dies die Neuausrichtung zu einer Karriere nach Guy Chambers, für mich als Fan bezeichnet es den qualitativen Bruch in Robbie Williams Karriere. Oft habe ich darüber sinniert, ob ich eigentlich wirklich immer nur Robbie-Fan war oder nicht vielmehr Guy-Chambers-Fan. Denn eins steht für mich definitiv fest: Robbie ohne Guy ist wie eine Hand ohne Daumen: eigentlich zu nichts zu gebrauchen.
„Intensive Care“ war Robbies persönliche Reinkarnation und ein Schritt in eine neue Richtung, die mir mehr als Magenschmerzen verursachte.
Ich stellte fest, dass meine persönlichen Empfindungen an die Qualität der Lieder und Alben sehr weit von denen der breiten Masse abwichen. Während Robbie Williams erste Nummer 1 in den deutschen Charts tatsächlich erst mit Album Nummer 6 und dem Song „Tripping“ kam, lagen meiner Einschätzung nach seine besten Stücke bereits hinter ihm: „Karma Killer“, das unter mysteriösen Umständen verschwundene und auf Album Nummer 2 ersetzte „Jesus in a camper van“, „Knutsford city limits“, „Come undone“, „Win some loose some“, „Grace“ und „Monsoon“.
Erstaunlicherweise waren die beiden bekanntesten Songs „Angels“ und „Feel“ weder in Deutschland noch in den UK jemals auf Platz 1 der Charts.
Trotz meiner Skepsis und Enttäuschung stand für mich fest: Robbie Williams musste ich auch diesmal unbedingt live erleben. Gesagt, getan. Für 100 Euro ließ ich mir von einer Arbeitskollegin zwei Karten für die Jahn-Wiese in Köln besorgen. Weitere Freunde von mir hatten bereits Karten und so zogen wir freudig aus, um bitterlich enttäuscht zu werden. Das Konzert war geprägt von einer schlechten Organisation, von dämlichen Vorgruppen, die überhaupt keine Stimmung verbreiteten, davon genervten Fans und einem absolut beschissenen Robbie Williams. Zu diesem Zeitpunkt war niemandem klar, dass seine gute Laune auf der Bühne nur aufgesetzt war und Robbie Williams längst wieder den Tabletten und Depressionen zugetan war.
Ich war einfach nur traurig.

Neunter Akt – 2006
es wirken mit: eine Beleidigung, EMI, ein Absturz und Album Nummer 7: Rudebox

„Rudebox“ war eine Beleidigung an seine treuen Fans. Dieser Meinung bin ich nach wie vor und ich werde sie auch niemals revidieren. Da man als Fan allerdings immer und zu jeder Zeit seinem Idol die Treue hält, lautete mein Standardspruch: Robbie möchte nur aus dem elenden EMI-Vertrag raus, deswegen macht er ein Album nach dem anderen und um EMI noch eins reinzudrücken, macht er sogar noch ein schlechtes.
Robbies eigene Lobhudelei zu seiner „Herzensangelegenheit“ und das immer noch schmerzende, verhutzte Konzert ließen mich innerlich toben und erzürnen.
Wenige Wochen später kam allerdings die traurige Gewissheit, dass Robbie wiederholt empfindlich in seinem eigenen Leben abgestürzt war. Das Konzert und das Album waren vergeben und vergessen und als echter Fan betete man leise in den blauen Himmel, dass er diese Zeit übersteht ohne sich den goldenen Schuss zu geben oder sich einen Strick zu nehmen und wie Jim Morrison auf einem Pariser Friedhof neben einem Elektroverteiler zu enden.

Zehnter Akt – 2007-2009
es wirken mit: mal wieder Take That, Ufos und Oasis

Zwei Jahre lagen vor mir, die mit den wildesten Gerüchten, Sprüchen und Tatsachen aufwarteten. Da kam eine Wiedervereinigung mit den mittlerweile wieder erfolgreichen Take That-Kollegen ins Gespräch, die damals bereits in diesem Blog zu erheblicher Frustration meinerseits geführt hat. Er wurde für mich dadurch unglaubwürdig, in einer Zeit in der es nicht so gut für ihn lief, zu dem Ursprung all seines Übels zurückzukehren. In Interviews hatte Robbie stets verlauten lassen, dass er seine Zeit bei Take That für seinen ersten Drogenabsturz verantwortlich mache. Will man dahin wirklich zurück?

Nachdem sich diese Diskussion wieder beruhigt hatte, sah Robbie Ufos, hatte Kontakt mit Außerirdischen und schwor den Frauen ab, indem er sich fest an eine band.
Eigentlich war ich in dieser Zeit damit beschäftigt, mich selbst zu beruhigen und zwang mich förmlich Oasis’ „Dig out your soul“ im Jahre 2008 brillant zu finden, um mich notfalls wieder an die Wurzeln meines musikalischen Interesses zu klammern, falls Robbie vom Boden nicht mehr aufstand.

Elfter Akt – 2009
es wirken mit: eine Vorahnung, ein Abschied und Album Nummer 8: Reality killed the Video star

Die Meldung, Robbie Williams würde endlich, endlich nach drei Jahren wieder ein neues Album auf den Markt bringen, weckte trotz der herben Enttäuschung über „Rudebox“ gewisse Erwartungen in mir, die – wie es sich für einen Fan gehört – sehr hoch angesetzt waren. Seine erste Singleauskopplung „Bodies“ ließ mir allerdings das Blut in den Adern gefrieren, musste ich doch erkennen, dass die musikalische Weiterentwicklung zwischen „Rudebox“ und „Bodies“ Null Komma Nix betrug. Kopfschmerzen plagten mich tagelang und auch Robbies charmantes Erscheinungsbild mit grauen Schläfen änderte nichts daran, dass ich der leisen Vorahnung nachgab, dass Robbie und ich uns endgültig voneinander verabschieden würden.
„Reality killed the Video star“ – eine wunderbare Anspielung auf die heutigen Zeiten der technischen Weiterentwicklung und Hommage an „Video killed the radio star“ – floppte in meinem Gehörgang und hielt mir einmal mehr vor Augen, dass Robbie mehr der Schmusesänger geworden ist, dessen kreativste Schaffensphase mit dem Weggang von Guy Chambers einfach zu Ende war.

Daher möchte ich ihm an dieser Stelle danken: Für die vielen wunderbaren Momente und Erinnerungen, die ich mit seiner Musik verbinde und für die Augenblicke voll musikalischer Höhepunkte, die er in seiner Karriere natürlich nicht nur für mich bereit gehalten hat. Aber es ist eine Zeit gekommen, in dem der nächste Rock-Gott auf mich wartet, um mich einige Jahre zu begleiten. Robbie Williams ruft kein Glücksgefühl mehr in mir hervor und löst auch nicht mehr den unbändigen Drang in mir aus, sein Album zu kaufen und seine Texte auswendig zu lernen. Seine Musik langweilt mich vielmehr und es ist wie es ist: man sollte immer aufhören, wenn es am schönsten ist und die Erinnerungen so gut es eben geht bewahren.

Ihnen, Mr. Williams, wünsche ich das Beste für die Zukunft und die immer währende Stärke Take That zu entsagen – egal wie der persönliche Erfolg definiert wird.

Photo im Original von radio1interactive (flickr)

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Neu für mich entdeckt habe ich die “Black Cab Sessions” (die Folgschaft auf Twitter). Ein Taxi, ein Fahrer, ein Kameramann, eine Band oder Interpret, ein Song, unter Umständen jede Menge Instrumente. Dabei pures Arrangement und einfach gute Laune. Um das Ganze mal visuell zu verdeutlichen, gibt es im Folgenden ein paar Videos meiner Favoriten:

Fanfarlo – Black Cab Sessions – Chapter 19

VV Brown – Black Cab Sessions – Chapter 80

Bon Iver – Black Cab Session – Chapter 44

Bei welchen Blogs, Magazinen und Webseiten versorgt ihr Euch mit Musik?

Bild im Original von mpozzobon (flickr)

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Fanfarlo – Reservoir

Den Anfang machen in diesem Jahr Fanfarlo, die ihren Fans ihr Album “Reservoir” mit 15 fantastischen Songs für nur 1 $ zum Download angeboten haben. Aufmerksam geworden bin ich durch Julia und nicorola auf dieses wirklich starke Album. In dieses Album habe ich mich bereits beim ersten Hören verliebt, was eigentlich selten vorkommt, da ich mindestens ein bis zwei Runden benötige, um die Musik in mich aufzusaugen und den Melodien die Möglichkeit zu geben, sich in meinen Ohren zu entfalten. Die Stücke sind wunderbar instrumentalisiert und ergeben durch ihre Bandbreite einen neuen, frischen Sound. Leckerbissen: “The Walls are coming down”:

Dennis Lisk – Suchen und Finden

Als ich das Album das erste Mal hörte, dachte ich ad hoc: Nicht schon wieder ein ehemaliger “Hip-Hopper”, der das Erfolgsrezept Cluesos kopiert und nun meint singen zu müssen. Aber was soll ich sagen: Nach mehrmaligem Hören, habe ich erkannte, dass Dennis Lisk zwar nicht an Clueso heran reicht, aber absolutes Ohrwurmpotential besitzt. Seine Texten beschäftigen meinen Geist, seine Melodien zerfließen auf meiner Zunge. Immer wieder höre ich dieses Album gern. Eine meiner deutschsprachigen Platten des Jahres. Leckerbissen: “Lass los”

Mumford & Sons – Sigh no more

Was sagt man nun dazu: Folk oder Country? Egal, >Heureka< auf dieses Debut. 12 Stücke lang wird man bei geschlossenen Augen in ein irisches Pub versetzt, bei dem man sich gut vorstellen kann – entgegen der eigenen leicht schüchternen Art und Weise – mit wildfremden Menschen auf noch fremderen Tischen zu tanzen. Gute Laune ist vorprogrammiert, auch wenn nicht alle Texte die Glückseeligkeit versprechen. Das lässt sich ohne schlechtes Gewissen vernachlässigen. Mitreißend, ekstatisch und süchtig machend. Leckerbissen: “Little Lion Man”

The XX – The XX

Allein das Intro der Scheibe ist der absolute Hammer und ich bin jedesmal enttäuscht, dass es lediglich 2:08 Minuten dauert. Und obwohl es sich hier um ein Instrumentalstück handelt (das Aaahaha zählt ja wohl nicht…) kann ich gar nicht genug davon bekommen. – Aber das Stück hat noch wesentlich mehr zu bieten. Wie habe ich bei Sascha mal in den Kommentaren geschrieben:

Ich finde das ist ein super chilliges Album, dass man sowohl zu dieser Jahreszeit, aber auch gut durch den von Melancholie getragenen Herbst und Winter hören kann. Ich lasse mich gern vom Groove begleiten und auch wenn Du dem Album eine gewisse Traurigkeit unterstellst, kann ich mir gut vorstellen, in einem Auto zu sitzen, in die unbekannte Ferne zu fahren, mich von den Sonnenstrahlen der untergehenden Sonne blenden zu lassen und mir das Lächeln bei den Klängen von Chrystalised nicht verkneifen zu können.

Mich wirft das Album wirklich um. Leckerbissen: “Crystalised”

Wye Oak – The Knot

Ich weiß rückblickend betrachtet nicht mal mehr wie ich auf dieses Kleinod aufmerksam geworden bin. Aber irgendwie gelang es von meinen Ohren, in meinen Geist und von dort direkt in mein Herz. For Prayer ist für mich so ein Stück von totaler und konsequenter Ambivalenz, die sich in weiten Teilen durch die gesamte Platte zieht: Während des zaghaften Gesangs still und ruhig, manchmal sogar auffordernd und dazwischen rockig und rotzig.
Wye Oak – Take it in
Wer sich selbst einen umfassenden Eindruck verschaffen will, kann auf der Labelseite von Wye Oak das komplette Album streamen.
Leckerbissen: “For prayer”

Paolo Nutini – Sunny Side up

Nach seiner Debutplatte “These Streets” fiel mir der Einstieg und Zugang zu “Sunny side up” wahrlich schwer. Sind doch hier vorwiegend beschwingte Sommerstücke zu finden, die zwar immer noch die Paolo-typische Rotzigkeit in der Stimme hervorbringen, im Gegensatz zu Stücken wie “Last Request” oder “Jenny don’t be hasty” irgendwie zu sehr “Coppa-Cabana” klingen und weniger rockiger. Die Lieder auf “Sunny side up” scheinen dem Closer “Alloway Groove” des Debutanten ein ganzes Album hinterher schieben zu wollen. Das ist auf den zweiten Blick auch ein dankbar anzunehmendes Konzept. Mittlerweile erkenne ich stilistisch manchmal eine James Brown Ähnlichkeit (z.B. bei Coming up easy). Irgendwann fiel mir dann auch der Rock wieder auf…
Leckerbissen: “Coming up easy”

Jochen Distelmeyer – Heavy

Die letzten beiden Alben widmen sich der guten alten, wenn auch früher eher von mir gemiedenen, Deutschen Sprache. Den Anfang macht Jochen Distelmeyer, der mir noch zu Blumfeldzeiten mit “Tausend Tränen tief” die ultimative Gänsehaut bereitete und meine jugendlichen Depressionen nach vorne trieb. Somit war das Hören von “Heavy” mehr als Pflichtprogramm. Und nach einem sperrigen “Wohin mit dem Hass?” nahm ich von diesem Vorhaben einige Wochen Abstand. Dann aber wieder packte mich der Zufall und das Album wurde komplett gehört. Einmal und noch einmal und nochmals. Sehnsüchtige Texte mit eklatanter Aussage. Mal traurig, mal Ja-sagend, mal einfach nur schön. Dickes Lob und vorallem: uneingeschränkte Hörempfehlung.
Leckerbissen: eigentlich “Lass uns Liebe sein” – da gibt es aber offensichtlich kein Video von. Daher: “Wohin mit dem Hass?”

LaBrassBanda – Übersee

So auf den letzten Drücker noch in diesem Jahr gefunden. Mehr so durch Zufall. Auf der 11/09-CD des Musikexpress war ein Stück des Albums “Übersee”. Erst dachte ich: Seit wann macht Jan Delay mit Blaskapelle einen drauf. Dann kapierte ich, das ist gar nicht Jan Delay. Nun, irren ist menschlich. (Ich muss mich sputen, denn ich wurde gerade in mahnendem Ton gerufen – Geschenke wollen noch eingepackt werden…). Wer Gute-Laune-Musik schätzt, wem bayerischer Akzent nicht das Essen im Magen umdreht und der ein bisschen auf Musikkapellen steht, dem sei LaBrassBanda wirklich wärmstens ans Herz gelegt. Mir gefallen sie ausgesprochen gut.
Leckerbissen: Auch hier eigentlich ein anderer: nämlich “Bierzelt”, aber ein Video gibt es lediglich von “Bauersbua”; ist aber auch schön.

An dieser Stelle erwähne ich nicht nochmal den grandiosen “Slumdog Millionaire O.S.T”, der zweifellos auch in diese Liste gehört, den ich aber schon in einem eigenen Artikel mit Lob überfahren habe.
So, ich hoffe ein bisschen Spaß hat die 3.566.366,4556. Liste zu den Alben 2009 trotzdem gemacht.

Ich wünsche Euch alle frohe und besinnliche Tage, lasst Euch reich beschenken – sowohl materiell wie auch emotional. Bis die Tage!

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